London’daki National Gallery’de açılan “Renoir and Love” (Renoir ve Aşk) adlı sergi, 1841-1919 yılları arasında yaşayan ressam Pierre-Auguste Renoir’in halk arasındaki yaygın ama hatalı algısını düzeltmeyi hedefliyor. Sergi ko-küratörü Chiara di Stefano’nun da belirttiği gibi, Renoir çoğu zaman “hafif sapan” bir kitsch çıplaklık ressamı olarak yanlış anlaşılmış; ancak bu sergi, samiminin keşif ve icadın yoğun olduğu 20’li yaşlarının ortalarından 40’lı yaşlarının ortalarına kadar olan döneme odaklanarak sanatçının yenilikçi ve cesur yönünü ön plana çıkarıyor.
Sergi, Renoir’in en güçlü dönemini kapsayan özenle seçilmiş eserlerle dolu. Di Stefano, serginin temel felsefesini şöyle açıklıyor: “Amacımız gerçekten de insanların eserlerle karşılaşmasını ve bu eserlerin kendi kendine konuşmasını sağlamaktı; 20 yıl içinde ressam olarak ne kadar yenilikçi ve cesur olduğu, tekniği bunun için nasıl denediğini anlayabilmeleri.” Bu nedenle ziyaretçiler sergiden Renoir’in hayatı veya siyaseti hakkında radikal biçimde değiştirilmiş bir görüşle ayrılmayabilir; ancak ilk sıradan bir ressam değil, sanat alanında yenilikçi bir isim olarak derin bir takdirle ayrılacaklardır.
Bir Başlangıç: Merdivenlerden İniş
Renoir and Love iddialı bir girişim ve ilk izlenimden itibaren özenle sahnelenmiş bir sergi. Ziyetçiler merdivenden aşağıya, sergi salonuna inerken, büyük iki dans resmi geniş açık bir kapıdan çerçeveli biçimde karşılıyor; bu da Renoir’in eserlerine özgü samimi ve dostane bir ortam hissi yaratıyor. Foyenin zeminine yansıtılan lekeli ışık projeksiyonu ise Renoir’in 1860’ların sonu ile 1870’lerin başı ve ortasındaki izlenimci kırışını yaratan eserlerindeki o meşhur lekeli ışığı çağrıştırıyor.
Serginin Yıldızı: Moulin de la Galette’de Dans
Renoir’in yeteneğini en iyi biçimde örneklendiren eser, 1876 tarihli ve göz kamaştırıcı bir tuval olan Moulin de la Galette’de Dans. Bu tablo Londra’da ilk kez sergileniyor; bu eserin varlığı, sergiyi ziyaret etmek için yeterli bir neden ve kişisel olarak benim için Serginin zirve noktası. Büyük boyutlu bu tablo, Renoir’in iddialarını ortaya koyuyor: 1876 yılında bu kadar büyük bir tuvalden beklenen, tarih, mitoloji veya İncil’den alınmış cilalı sahneler içeren yüksek statülü akademik ya da dini eserlerdi; örneğin aynı yıl boyanan William-Adolphe Bouguereau’nun Pietà’sı gibi. Renoir, işçi sınıfı Montmartre’nin sıradan sakinlerinin rahatladığı sahneyi “bir tarih sayfası”, halkın tarihi olarak tanımlamıştı.
Eser yalnızca kopya üzerinden tanınıyorsa, onu gerçekte görmek şaşırtıcı bir deneyim. Tablonun geleneksel bir derinliği var: dans eden figürler arka plana doğru ilerledikçe küçülüyor. Ancak sahnenin tamamında, sahneyi birbirine bağlayan baskın morumsu-mavimsi tondan daha açık bir renkte, kırık ve noktalı bir ışık deseni yer alıyor; bu lekeli ışık izleyiciye doğru geliyor, tıpkı somut bir perde gibi. Bu, o anda algının doğrudanlığını ve mekansal belirsizliğini aktaran bir tablo; sanki izleyici tanımadığı bir sahneye göz kapaklarını kaldırmış gibi.
Sahnede içine alınmışlık hissi diğer detaylarla güçlendiriliyor. Tuvalin sol alt köşesinde iki bank arasında, tıpkı izleyicinin dans pistine doğru sıkıştırarak geçebileceği bir boşluk var. İzleyiciye en yakın olan çift, sanki yeni gelmiş gibi sanki size geri bakıyor gibi görünüyor; dalgalanan bu tablo, geçici ve tükenir dinlenimin algısını yakalıyor.
Dostluk Aşkı ve Bir Dönemin Ark Planı
Bu dönemde Renoir, bir öğünden sonra en yüksek doygunluğa ulaşan insanların rahatladığı birçok sahne resmediyordu. Sergilenen en eski böyle eser olan Anthony’nin İnişi (1866), ressam Alfred Sisley ile Jules Le Coeur ve başka bir arkadaş Henri Bos’dan oluşan bir araya gelişi gösteriyor; genç bir kadın masayı topluyor. Arkalarındaki duvarda, Puccini’nin La Bohème operasının kaynak kaynağı olan Bohemyan Hayatı Sahneleri’nin yazarı yazar Henri Murger’in karikatürü yer alıyor. Önlerindeki L’Événement gazetesi ise yazar Emile Zola’nın ateşli ve radikal sanat eleştirilerini taşıyordu; bunlar Renoir’in arkadaş çevresinin sadece bir parçasıydı. Bu sergideki aşkın büyük bir kısmı kardeşçe bir aşktı.
Sanatçıyı eserleriyle karıştırmak kolaydır ve biri öğünden sonra gelen rahat sahneler resmediyorsa, bunun hayatının bir yansıması olması gerektiğini hayal etmek. Bu durumda Renoir’in 1875 tarihli Özportresi şok edici gelebilir. Samimiyet çukurlu, gergin görünüyor.
Bez çoğu izlenimciden farklı olarak Renoir işçi sınıfı bir kökenden geliyordu; ailesi yetkin zanaatkarlardı. 14 yaşından itibaren Jean-Antoine Watteau ve Jean-Honoré Fragonard gibi Rokoko ustalarından hareket ederek porselen boyayarak geçimini sağlıyordu; bu ustaların eserlerinden yansımalar tüm üretiminde görülebilir. Kendi ifadesine göre, arkadaşlarından gelen yazışmalarla da doğrulanan bu şekilde, 50’li yaşlarına kadar mali belirsizlik içinde çalıştı ve kendisinin belirttiğine göre, birçok kez aç kaldığı oluyordu; böylece kendi döneminin adamıydı.
Karanlık Bir Ark Planın Ötesinde
Renoir’in hafif daha yaşlı Édouard Manet’ten yazar Émile Zola’ya kadar uzanan bohemyan çağdaşları, modern Paris’in alçak fakirliğini ve yabancılaşmasını betimlediler. Ancak onlardan farklı olarak ve 1860’lar ile 1870’lerdeki sert koşullara daha fazla maruz kalmalarına rağmen, Renoir’in kararlılığı insanları en rahat ve en yakışıklı ışıklarıyla göstermekti.
İzlenimcilik bize şimdi bir kesinlikmiş gibi görünüyor: Belle Époque’un (1871-1914) parlak ve parlayan bir ifadesi. Bu, Renoir’in tek icadı değil; ancak bu ışıklı ve neşeli hareketin 1870-1871 Fransız-Prusya Savaşı’nın arka planına karşı geliştirilmesi şaşırtıcıdır. Renoir askerliğe çağrıldı; yakın arkadaşı ve destekçisi Frédéric Bazille öldürüldü ve Camille Pissarro’nun erken izlenimci eserleri yok edildi.
Ancak Paris’e dönüşünden sonra, başkente siviller arası bir savaşın acı iç çatışması sokaklarda cesetler bıraktığı halde Renoir neşeli ve büyüleyici sahneler resmetmeye devam etti. Bu ürkütücü arka plana rağmen, Renoir hayatın geçici neşesine odaklanmayı seçti.
